MUESTRA UNIVERSITARIA DE ARTES ESCÉNICAS

He aquí el cartel de la Muestra Universitaria de Artes Escénicas. Por fin y por primera vez en su espacio adecuado: el Aula de Teatro Juan del Enzina.
Si queréis ampliar información, no tenéis más que pinchar en el siguiente enlace:  http://sac.usal.es/

CRÓNICA DE LA REAPERTURA DEL JUANDEL

Ya habían pasado de largo las 21:30 y yo todavía correteaba taconeando por la Plaza de Anaya. No es que me pudiera el ansia por ver la obra de desvirgamiento: es que llegaba tarde a la hora que yo misma, la que llevaba las invitaciones, había impuesto a mis vecinos de butaca. Allí estaba solo uno. El de siempre, cual gentleman. Por su parte, mis compañeras de fatigas teatrales y plataformiles habían decidido hacer uso del fashionably late.

Uno de nuestros padres fundadores dio la última consigna: como no estaba programada ninguna presentación ni tampoco ningún acto protocolario antes de la actuación, estaría bonito que rompiéramos a aplaudir en cuanto se hiciera el oscuro, como acto de alegría. No hubo posibilidad. El rector salió para decir unas cuantas palabras de agradecimiento. En la mano derecha, un micrófono; bajo el brazo izquierdo, la revista Llanto por la muerte del teatro Juan del Enzina. Me cogió tan desprevenida que apenas soy capaz de recordar sus palabras. Quizá habló de las ganas que había de que llegara el día 28 y del esfuerzo que había supuesto. Sé que escuché el nombre del profesor Emilio de Miguel y algo de que tenía -o eso creo- una nota suya que iba a leer. Tengo la imagen, eso sí, de que demostró cierta torpeza al leerla y al pasar las hojas. Estoy segura de que señaló la lucha de algunos estudiantes porque me entraron ganas de corregir: siempre fueron algunAs estudiantes. Y me parece que dijo algo de que esas personas, que no permitieron que el teatro cayera en el olvido y que se movieron para crear la revista que llevaba bajo el brazo, que leyeron la letanía paródica que se encontraba dentro y no me acuerdo de qué más. Para el aplauso del público, ya estaba agarrada a mi compañera de fatigas e intentaba manejar -también con cierta torpeza- la emoción y la sorpresa del momento.

Se agradece el agradecimiento. Al rector Daniel Hernández Ruipérez y al profesor Emilio de Miguel.

En cuanto al teatro he de decir que han conseguido mantener dos de las características que recordaba de él: es acogedor y tiene las butacas azules. Estas no son ni excesivamente cómodas como para quedarte dormido, ni excesivamente incómodas como para que cada vez que te muevas se oiga en las aulas del piso superior, sino todo lo contrario. Los asiduos al teatro en Salamanca agradecemos el graderío, pues asegura visibilidad desde cualquier punto. Parece tener buena acústica. Digo parece porque desde mi segunda fila no estaba para evaluar ese aspecto, aunque desde esa misma posición sí puedo avanzar que quizá en alguna obra algunos disfruten de la ropa interior de las actrices o de los brazos fornidos de algún actor. Llegado el caso, estoy segura de que no habrá problema para localizar las salidas de emergencia pues sus luces se distinguen SIN PROBLEMA. Dicen los que saben de esto que la inversión en equipación técnica es justa y necesaria. Todo nuevecito, aunque mejorable. Vamos, que en un futuro se puede complementar la equipación con una nueva inversión y poner Dolby, más focos...

Hay una sala de ensayos bastante cuca, dos camerinos que se comunican entre sí por el baño (wtf!!!!), almacenes de sobra para que los grupos universitarios puedan dejar sus trastos -digo yo-, despacho de los técnicos, despacho de producción (no comments).

El hall es estupendo para que se organicen los típicos corrillos o, incluso, para realizar actividades allí como exposiciones, algunas lecturas literarias de pequeño formato, alguna representación breve...

Y aunque despotriqué en su momento de la cristalera que hay en la entrada (pues era muy costosa y yo era más de aquellas butacas que se metían por debajo del graderío para que el escenario no fuera solo a la italiana), ahora reconozco que tiene sentido y le da luz a la entrada al teatro.

(Entre nosotros: siempre preferiré invertir en el interior del teatro antes que en el exterior del teatro).

Conclusión: muy buena obra.

Nota final: como no hubo vino de honor, ni siquiera un mísero calimocho de honor -mierda de crisis- algunas nos tuvimos que consolar con la celebración en un bar, con los actores y el director de La colmena científica (El café de Negrín) como vecinos de barra. Y brindamos, tras nueve años de cierre, por la reapertura de nuestro Juandel.

MUESTRA DE TEATRO UNIVERSITARIO

MUCHA MIERDA A TODOS.
Si no recuerdo mal, las invitaciones se recogen en el mismo edificio a partir de las 18:30.

3 PROPÓSITOS Y 7 DESEOS DE AÑO NUEVO.

PROPÓSITOS
• No volver a quedarme con ganas de ver un espectáculo. Si hay que ir a otra ciudad por un montaje que merezca la pena, se va.
• Almagro, Mérida y Ciudad Rodrigo. De este verano no pasa. Olmedo merece la pena.
• Ser arriesgada en la selección de espectáculos para no perder el efecto sorpresa pero también selectiva.
DESEOS
• Que se mantenga el nivel de programación del FÁCYL.
• Que la programación no se vuelva más exigua en Salamanca.
• El regreso del ciclo Sala Marte de teatro (¡y poesía!)
• Espíritu renovador y de superación en el teatro made in Salamanca
• Una programación de verdad en el Principal de Zamora.
• Que se reconozca la labor del Teatro Español como centro de agitación, difusión y creación teatral.
• La finalización de las obras del Teatro de la Comedia (CNTC, Madrid) y del Aula de Teatro Juan del Enzina (Salamanca) y, por Lope, que se re-inauguren decentemente.
OJALÁ.

ESPECIAL FÁCYL. ENCUENTRO CON LOS CRÍTICOS

Encuentro con los críticos:

http://www.youtube.com/user/facylfestival#p/u/13/lHPXUOjdUPk

El 31 de mayo en la Casa de las Conchas se celebró un Encuentro con los críticos moderado por Lara López. Los periodistas Javier Villán (El Mundo), Juan Ignacio Garzón (ABC), Marcos Ordoñez (El País-Babelia), Javier Vallejo (El País), Fernando Herrero (El Norte de Castilla), Carlos Toquero (El Mundo-Diario de Valladolid) y Alfonso Mendiguchía (La Gaceta de Salamanca) conversaron sobre la función de la crítica y su situacióna ctual en el ámbito escénico

EL GRAN CAFÉ TEATRO EN EL MUSEO DE AUTOMOCIÓN

LARGA VIDA AL REY ( pero con otra línea de bus...)

EL GRAN CAFÉ TEATRO

INTÉRPRETES: Los colegas de la Vega (Maribel Iglesias, Alfonso Mendiguchía, Carlos Vicente, Pablo Ruiz, Sheila Blanco, Fernando Sánchez, Pancho Ruano, Paco Tejero, Roberto G. Encinas, Luis Joyra, Cefe Torres, Arancha Carmona, Nieves Sardón, Javier Torres, Maite Iglesias, Natalia Sánchez, Lara Boyero, Laura Guijarro, Mari Paz Santos, Dea Gómez, Óscar Vicente, Alberto Sadia, Miguel Martín).
AFORO: Lleno
DURACIÓN: En torno a tres horas
LUGAR: Museo de la Automoción, 29 de mayo de 2010, 22:30 h.


La verdad es que siempre he evitado hacer crítica de amigos-colegas-lo que sea en este blog. Unas veces me he agobiado con el asunto o no sabía cómo ordenar las ideas; otras me he autocensurado y he disfrutado sin más con el espectáculo del amigo-colega-lo que sea.
Tras ¿dos años? sin un café teatro grupal de calidad en esta ciudad –le pese a quien le pese–, los Colegas de la Vega han encontrado un espacio adecuado para hacer su mítico espectáculo en el Museo de la Automoción. Entre medias han pululado un poco de polémica cultureta, un apócrifo en el CAEM (falso para los de la ESO), una imitación universitaria que ojalá evolucione y varios espectáculos de grupos.

Gracias. Ya era hora. Tirón de orejas por tardar tanto en regresar. Toda esa espera se alargó hasta casi la semana antes del estreno porque parecía que todo estaba en el aire y, por fin, se concretó en unas un poco largas –pero bien llevadas a base de cerveza y risas– tres horas y pico de espectáculo variado. Uf.
Misma estructura: músico a la entrada, baile al comienzo y final, magia, jazz para el comienzo de la segunda parte, el telediario, un presentador-monologuista para las transiciones… Mismo núcleo duro: Miguelón, Maestro Ruiz, Sheila Blanco, Maribel, Mendi, Carlos, Azogue y The Elements. Mismo efecto: mareo a la salida por tanta carcajada -o quizá por tanta cerveza–, acompañado por una sensación de felicidad mezclada con un pelín de envidia de la sana.
¿Jugamos a las diferencias también?
Quesada, sus pendientes y sus pajaritas ya no presentaban. Una pena porque lo hacía muy muy bien. Pero allí estaba el Mendi todo mono con su traje de marinerito y, no es por ser groupie, pero no eché de menos a Quesada. No tenía por qué imitarlo, no lo hizo y funcionó. Ahora a desarrollar ese estilo de monólogo y a lanzarse.
Ya no es “de la Vega” sino “en el Museo de Automoción”. No voy a reflexionar sobre el cambio de preposición, sino de espacio. El teatrillo de la Vega es fantástico, acogedor y el espectáculo estaba pensado para hacerse allí. El espacio escénico del Museo no es propiamente teatral, es más amplio y desangelado pero se ha adaptado y, lo que es mejor, tiene la posibilidad de jugar con varios niveles escénicos (escenario de abajo, de arriba, escaleras, balcón…). Ahora hay que hacer el espectáculo para ese espacio.
Como siempre: en conjunto muy bien, algunas escenas un pizca más flojas (también esto forma parte de su encanto), público entregado. Llamada de atención: la mayoría de las escenas de teatro ya las había visto (es lo malo de ir a ver casi todo) y se echa de menos esa novedad. Pero no me preocupa porque volverán en otoño y ahora que han visto que pueden, que lo tienen seguro, que se les echaba de menos, arriesgarán más.
No soy monárquica, pero como si lo fuera. Larga vida al rey y a su corona del Burguer King.

¡AL CARAJO LA POESÍA!

MENOS ES MÁS=TEATRO

¡AL CARAJO LA POESÍA!

IDEA ORIGINAL y DIRECCIÓN: Marieta Monedero

TEXTO Y DRAMATURGIA: Marieta Monedero y Carmen Castrillo

ADJUNTA A LA DIRECCIÓN: Carmen Castrillo

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Agustín Martín

DISEÑO GRÁFICO: María Riera

VOZ EN OFF: María Ángeles Alonso

GRABACIÓN: Suso de la Nava

ESCENOGRAFÍA, VESTUARIO Y ATREZZO: Luis Oliver, Carmen Castrillo y Marieta Monedero

COMPAÑÍA: Raízde4teatro

INTÉRPRETES: Carmen Castrillo y Luis Oliver

AFORO: Completo

INCIDENCIAS: Estreno absoluto

LUGAR: Sala B, CAEM, Salamanca, 18 de noviembre de 2009, 22:00.

Después de un sinfín de espectáculos poéticos, lecturas afectadas, encuentros en la tercera fase poética, ultra-post-mega recitales, performances poéticas-artísticas que era incapaz de entender; después de haberme relacionado y escuchado a poetas-personajes trasnochados, bohemios finiseculares mediocres, fashion-cool iluminados que explicaban UN poema durante quince minutos, que me perseguían para explicarme su incomprensible poética (para mí), que me hacían coger manía a Borges y a Cortázar de tanto citarlos, que me lanzaban al consumo desesperado de cerveza con limón y me brindaban la oportunidad de practicar el viaje astral… después de todo eso, me uno a la Marieta, a Oli y a Carmen Castrillo y, con ellos, mando al carajo la poesía. Así, tan visceral y apasionadamente, pero con mucha cabeza.

Simple: dos actores, diez escenas, dos atriles, unas mesas, unas sillas, un casi inabarcable abanico de citas poéticas en español. Y ya está. Lo mezclamos todo, le añadimos sentido común, trabajo, solidez, mimo, delicadeza y amor a la literatura y, sobre todo, conocimiento de qué es eso de teatro y qué es la poesía, y tenemos un espectáculo teatral sobre poesía de los pies a la cabeza, divertido, lúdico, didáctico, que apela a la inteligencia del espectador, a su cultura popular y a la menos popular. Todo muy pensado y cuidado, bien utilizado, con mucho sentido estético: la escenografía, el cromatismo, el uso del espacio escénico. Con unos ajustes en la parte final para completar de hilvanar el hilo propuesto al comienzo y perfilar algunas escenas de la última parte, estará más que estupendo.

Qué maravilla –y qué tranquilidad– oír recitar a los actores. No sé si habrán acudido a alguna escuela de declamación o a algún maestro sesudo, o si, simplemente, habrán dicho el verso como debe decirse: diciéndolo. Admiro el brillante trabajo de ambos, la versatilidad para hacer reír cuando procede, para crear un nudo en el estómago cuando quieren, para bailar y cantar tango. Me encanta la composición de personajes, el dominio de la voz y del ritmo escénico que tienen, especialmente ella. Y me encanta la propuesta de jugar con la poesía, de ensamblar miles de citas y darles una forma escénica más que solvente, de descontextualizarlas de su sentido habitual. Y me encanta que citen a Sabina y a Gardel.

Una apuesta arriesgada, felizmente resuelta. Que quiero repetir, oye, a ver si me desintoxico un poco de tanta culturilla.

El sueño de una noche de verano

SUEÑO DE MONTAJE

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EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

AUTOR: William Shakespeare

COMPAÑÍA: UR Teatro www.urteatro.com

DIRECCIÓN Y VERSIÓN: Helena Pimenta

INTÉRPRETES: José Tomé, Montse Díez, Celia Pérez, Jorge Muñoz, Jorge Lasanta, Ione Irazábal

ESCENOGRAFÍA: José Tomé

INCIDENCIAS: Patio del Colegio Fonseca, aire libre. Breve apagón de luces en el primer tercio de la representación. Aforo completo.

LUGAR: Noches del Fonseca, Salamanca. 24 de julio de 2009, 23:00.

En la cultura medieval se creía que el tres era un número que simboliza el movimiento continuo y la perfección. Tres niveles de acción plantea Shakespeare en esta comedia: los jóvenes atenienses, los cómicos, los habitantes del bosque. Tres formas de expresión escénica para cada nivel: teatro, clown, danza. Amor/desamor, humor, magia. Cada uno de los seis actores (otro número con implicaciones mágicas) interpreta tres papeles. Cada una de las tres actrices se identifica por un color primario: rojo, amarillo y azul. Tres paneles dobles conforman la escenografía. Y como el número tres, este montaje simboliza el movimiento continuo y la perfección: nunca había visto un Sueño tan bueno como este, no hay mejor versión española del Sueño.

UR Teatro repone este espectáculo por segunda vez (la primera en 1998) después de su primer estreno en 1993, premio Nacional de Teatro, y demuestra que su versión de hace 16 años está tan viva y fresca como entonces. El Sueño de una noche de verano supuso para la compañía la confirmación de un estilo inconfundible de hacer teatro: rítmico, ágil, comunicativo, limpio de movimientos, egos actorales menguados para potenciar el trabajo en grupo, con gran capacidad de evocación y cuya una de sus máximas es “menos es más”.

Helena Pimenta dirige con contundencia, conoce la esencia teatral y del teatro de Shakespeare, poda el texto, lo transforma, lo actualiza con un criterio muy claro y convincente. El montaje conjuga perfectamente los vibrantes momentos de poesía escénica, de plasticidad, con el choteo de los cómicos y su Píramo y Tisbe para lo que se vale de un diseño escenográfico (José Tomé) que es una gozada: la escenografía, el vestuario, el uso del espacio y la música caminan juntos para formar un todo con gran personalidad que parece que se distancia en ocasiones del texto original (¡pobres puristas!), lo traiciona para darse la vuelta y descubrir lo que de buen teatro tiene y lo cercano que está a la esencia shakesperiana.